Les glossaires de la musique2022-09-12T00:49:09+02:00

Les glossaires de la musique

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Les glossaires

Accelerando2022-03-31T12:07:55+02:00

Terme italien signifiant une augmentation progressive du tempo.

Il s’agit de jouer de plus en plus vite, non de plus en plus fort. Opposé au ritardando, l’accelerando se note sur la portée avec l’abréviation accel. généralement suivie d’une ligne pointillée pour marquer la section accélérée. Un nouveau tempo sera ensuite défini ou le terme tempo primo sera utilisé pour signifier un retour au tempo initial.

L’accelerando s’utilise surtout pour procurer une sensation d’empressement, ou pour transitionner vers un nouveau tempo.

partition non mesurée de Louis Couperin

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Basse d’Alberti2020-12-02T17:53:29+02:00

Procédé d’accompagnement arpégé en forme de M.

Ce procédé consiste en un motif répété de 4 notes, chacune de même durée. La basse d’Alberti fut particulièrement utilisée pendant la période classique, on peut même la considérer comme un sceau de la musique de cette période. Elle doit son nom à Domenico Alberti (1710–1740), qui fut le premier à l’utiliser.

Ci-contre : exemple et variations sur un accord de do majeur. Un des exemples les plus connu se trouve dans les 4 premières mesures de la sonate n°16 de Mozart (K.545).

Basse d'Alberti sur la portée

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Brainstorming2022-03-31T12:55:31+02:00

Un brainstorming (ou remue-méninges) est une technique créative de résolution de problème. Il peut être individuel ou et collectif.

L’idée générale de la méthode est la récolte d’idées nombreuses et originales. Elle vise notamment à séparer étape de génération d’idées musicales et étape de sélection des meilleures idées. Ceci afin d’éviter le syndrome de la page blanche provoquée par une auto-critique advenant trop tôt dans le processus créatif.

Ainsi, pour favoriser la créativité, deux principes de base doivent être respectés pendant un brainstorming : la suspension du jugement et la recherche la plus étendue possible.

Caractère2022-03-31T11:46:20+02:00

Le caractère, du point de vue de l’interprète, c’est la façon d’exécuter une pièce musicale. Notée sur la partition par un terme (souvent italien), sa fonction est d’aider l’interprète à trouver sa propre expression musicale. (Ex : agitato, cantabile, religioso, tranquillo).

Du point de vue du compositeur, plutôt que l’expression au moment de l’interprétation, nous parlons plutôt de l’expression au moment de l’écriture, du caractère en tant qu’émotion véhiculée à l’auditeur par l’oeuvre elle-même. Ainsi, le caractère d’une musique s’exprime généralement par un adjectif qualificatif.

Démarche artistique2022-03-31T11:46:49+02:00

On appelle « démarche artistique » un court texte qui explique fondamentalement votre cheminement, vos intentions et vos objectifs de création et production.

Véritable petit manifeste, la démarche artistique permet de comprendre dans quel processus de création vous êtes engagé en tant qu’artiste et vers où vous tendez. Elle vous aide à mieux comprendre fondamentalement votre raison d’être en tant qu’artiste. C’est un document qui permet l’introspection.

Ce texte doit donc permettre d’apporter un éclairage neuf sur votre carrière. Il vous permet de mieux cerner votre potentiel et de le mettre en œuvre à travers des projets de faire et des projets d’être (où je suis, ce que je fais et où je veux aller). Il s’agit donc d’une réflexion qui permet de prendre de la hauteur sur votre carrière.

Pour aller plus loin :

Détournement2022-03-31T12:51:52+02:00

Le détournement est un processus artistique qui consiste à s’approprier un élément musical et à le modifier pour en faire quelque chose de nouveau, de différent. Une manière de réutiliser, de s’approprier un matériau préexistant avec usage différent et inattendu.

Pour un artiste, détourner un élément (idée musicale, instrument, effet, …) c’est l’exploiter pour une toute autre chose que celle pour laquelle il a été conçu. C’est changer sa direction, sa fonction. C’est le métamorphoser, le détourner. Ceci pour finalement le réutiliser dans sa propre production artistique, proposant ainsi une nouvelle réflexion sur cet élément.

Figure de note2021-05-31T14:03:59+02:00

Graphie élémentaire de la notation musicale moderne.

Composée de 3 parties, une note symbolise sur une partition la hauteur et la durée d’un son musical. Née au XIIe siècle en occident sous forme carrée, cette graphie n’a été progressivement généralisée qu’au XVIe siècle, grâce aux progrès de l’imprimerie musicale.

Pour aller plus loin :

partition non mesurée de Louis Couperin
Gamme2022-03-31T12:04:39+02:00

Pour faire simple, une gamme est une série de notes ordonnées par hauteur.

Par exemple :

  • Gamme de do majeure : do ré mi fa sol la si
  • Gamme de mi mineure : mi fa# sol la si do ré

Gamme de do majeure. Présentée ascendante puis descendante.

Pour faire moins simple, une gamme est un mode dont on a défini la tonique.

Précisons. En soit parler de « la gamme majeure » ne veut rien dire : pour qu’une série d’intervalles puisse être appelée « gamme » il faut préciser le nom de la note principale (appelée tonique). Sans cette précision, il est plus juste de parle de « mode majeur »… et donc de « gamme de do majeure » si le mode majeur en question commence par un do.

Les gammes sont générées à partir d’un petit nombre de notes, en général 7 ou 5. Par exemple, la série do ré mi fa sol la si est une gamme heptatonique (hepta=7). Tandis que la série do ré mi sol la est une gamme pentatonique (penta=5)

Pour aller plus loin :

Idée musicale2022-03-31T12:55:39+02:00

Une idée musicale est une appellation générique qui peut désigner un riff, un pattern rythmique, un beat, un groove, une harmonie, un motif, un arrangement, une orchestration, une mélodie, un chant, un effet de jeu, un bruitage, un timbre, du sound design, du resampling, etc. etc.

C’est tout simplement un élément sonore qui ne s’autosuffit pas et qui a pour vocation à être assemblé avec d’autres idées complémentaires. Une idée musicale stimule généralement le processus de création et sera le point de départ d’une composition.

Pour aller plus loin :

Intention2022-03-31T12:56:12+02:00

L’intention artistique, à ne pas confondre avec le parti-pris, est ce que veut exprimer de manière un artiste. C’est son « objectif ».

En musique commandée, c’est simple : l’intention de votre musique est définie par sa fonction (faire rester les clients plus longtemps dans un magasin, enrichir l’émotion d’une scène cinématographique, galvaniser les sportifs en cours de fitness, etc.)

Pour la musique de création (non-commandée), c’est plus complexe. Vous êtes seul décisionnaire de l’intention que vous mettez dans votre musique et c’est à vous de définir l’intention (explorer de nouvelles sonorités, faire danser, amuser, raconter une histoire, exprimer une émotion qui vous touche particulièrement, etc.)

On peut alors remarquer deux niveaux d’intention :

  • l’intention que vous mettez dans une oeuvre en particulier
  • et l’intention profonde qui vous pousse à composer. Cette intention profonde s’exprime dans ce qu’on appelle la démarche artistique.
Intonation2022-04-14T18:59:53+02:00

Dans le langage courant, l’intonation est la façon d’émettre un son musical. C’est le ton que l’on prend en parlant (Intonation chantante, chaleureuse. Une voix aux intonations théâtrales).

En musique, l’intonation définit précisément la hauteur des notes (jouées ou chantées) les unes par rapport aux autres. On parle de justesse d’intonation. Plus particulièrement dans l’usage pratique quotidien, on parle d’intonation, tandis que dans l’usage théorique on parlera plus volontiers de tempérament ou de gamme.

Musique actuelle2022-04-14T19:50:23+02:00

Les musiques populaires, musiques urbaines, musiques jeunes… Toutes se retrouvent sous le terme générique de musiques actuelles.

En France, les musiques actuelles (suivant les définitions du Ministère de la Culture en France) peuvent intégrer du jazz, de la chanson, des musiques traditionnelles, du rock, de la pop, les musiques électroniques ou le hip hop. On utilise le terme Musiques Actuelles par opposition à la musique de chambre ou à la musique classique.

Pour aller plus loin :

Musique non mesurée2022-04-25T17:22:38+02:00

Musique écrite sans signature rythmique ni barres de mesure.

Ceci a pour effet de gommer les sensations de temps forts et temps faibles, laissant ainsi une très grande liberté expressive à l’interprète. La durée des notes ou le tempo peuvent également ne pas être indiqués et laissés à l’inspiration de l’interprète.

A distinguer du rubato, qui est un abandon temporaire de la rigueur de la mesure.

Pour aller plus loin :

partition non mesurée de Louis Couperin

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Narration2022-08-16T19:40:34+02:00

La narration n’a pas de définition rigoureuse en musique. Personnellement, je la définis comme l’art de transporter l’auditeur dans un voyage auditif choisi. Figuratif ou abstrait, avec ou sans paroles.

Le travail de la narration comprend l’habileté à faire de bons choix (de cellules musicales, de structure, de couleurs harmoniques, d’instrumentation, etc.). Mais cela comprend aussi l’habileté à faire s’enchaîner les cellules musicales pour donner une direction forte à la composition. En effet, une bonne narration mêle surprises et rappels bien placés.

En somme, c’est l’art de susciter de l’émotion sans trop en faire. C’est savoir créer l’alchimie. C’est aussi simple et ardu que ça !

Octave2021-05-08T13:19:28+02:00

Intervalle séparant deux notes de même nom.

Le saviez-vous ? Une octave ne fait pas 12 demi-tons ! Ou du moins pas toujours 🙂

Une octave juste est l’intervalle le plus consonnant, après l’unisson. Elle est à la base de la construction des gammes. En acoustique, cela correspond à un doublement de la fréquence. Une note à l’octave est ainsi à 12 demi-tons d’intervalle d’une autre note de même nom. Mais comme d’autres intervalles, l’octave peut elle aussi être augmentée ou diminuée. L’exemple en image ci-contre le démontre.

Pour aller plus loin :

Exemples d'octaves

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Ostinato2022-04-25T17:22:36+02:00

Procédé d’écriture qui consiste à répéter en boucle un élément musical de nombreuses fois (tels qu’un rythme, une mélodie ou un enchaînement d’accords).

Le terme vient de l’italien et se traduit par obstiné. En effet, un ostinato se répète avec obstination tout au long de la composition (ou au moins une bonne partie).

Des ostinati célèbres se retrouvent dans la rythmique de We Will Rock You de Queen ou la basse de Seven Nation Army des White Stripes, mais le plus réputé est sans aucun doute celui du Canon en ré majeur de Johann Pachelbel.

De nos jours l’ostinato est très utilisé en musique électronique (de nature répétitive) ou dans le rap (sous forme de phrasé resamplé).

Pour aller plus loin :

Parti-pris2022-03-31T11:46:32+02:00

Le parti-pris d’un artiste est l’angle qu’il choisi arbitrairement pour parler d’une certaine thématique dans son oeuvre.

Cela représente tous ses choix tant au niveau esthétique (choix de l’harmonie, les instruments, du mixage, …) que poétique (choix d’exprimer ou ne pas exprimer certains aspects de la thématique abordée).

Pensée convergente2022-03-31T11:46:35+02:00

Le principe de convergence, vient après celui de divergence : il fait référence à la phase de production où l’on sélectionne les idées musicales produites précédemment. Où l’on raffine l’oeuvre et modèle l’apparence.

La pensée convergente s’exprime dans la structuration des petites créations musicales produites et dans les choix que l’on fait. On recentre la pensée exploratoire (non censurée) sur l’intention que l’on voulait de base exprimer.

Convergence, parce qu’on trie le bon grain de l’ivraie au prisme de cette intention initiale.

Pensée divergente2022-03-31T11:46:38+02:00

Le principe de divergence dans le processus de création fait référence à la phase de recherche créatives de l’artiste. Cela se passe entre la pose du problème et les propositions musicales créées.

La divergence s’exprime dans l’exploration d’un maximum de pistes au cours desquels l’artiste multiplie les petites créations musicales, véritables briques sonores qui viendront s’assembler plus tard dans son oeuvre.

Divergence, parce qu’on explore vraiment dans toutes les directions. Dans cette phase du processus créatif, il est important de coucher toutes les idées que l’on a, même les moins pertinentes. Ne vous censurez pas.

Pensée latérale2022-03-31T12:20:01+02:00

Une méthode de production d’idées, développée par Edward de Bono (psychologue spécialiste en science cognitive), dont l’objectif est de sortir des sentiers battus en explorant des possibilités et approches différentes qui peuvent se substituer à la vision « normale » (archétypale) d’un sujet.

C’est une sorte de mode pensée exploratoire qui nous fait dévier de l’approche conventionnelle de laquelle on souhaite s’écarter.

Pour aller plus loin :

Processus créatif2022-03-31T12:57:42+02:00

C’est un processus de génération d’idées qui favorise l’exploration, le développement et la production de idées musicales innovantes et de « valeur ».

Le processus créatif est généralement décrit comme une succession d’étapes et une alternance entre différentes modes de pensée (pensée intuitive et pensée analytique). Il existe plusieurs techniques de génération d’idées, mais toutes font partie du processus créatif général, dont voici les grandes étapes :

  • Phase de clarification du projet artistique
    1. Définir l’intention (le fond)
    2. Délimiter la thématique (l’objet)
    3. Acquérir des connaissances (la préparation)
  • Phase d’idéation
    1. Choisir le caractère (l’émotion)
    2. Explorer des pistes (la recherche créative)
    3. Créer l’expression (les moyens)
  • Phase de production
    1. Raffiner l’expression (la sélection)
    2. Dessiner la structure (la narration)
    3. Modeler la forme (l’apparence)

Pour aller plus loin :

Prosodie2022-04-14T18:46:58+02:00

La prosodie est l’ensemble des caractéristiques d’une voix (parlée ou chantée). Une prosodie appropriée rend plus intelligibles les émotions et les intentions du texte. La prosodie s’articule autour de ces caractéristiques :

  • La nuance
  • le timbre
  • le rythme
  • l’intonation
  • les accentuations

En chant, c’est aussi la manière dont sont mises en mesure et en rythme les syllabes du texte.

Exemple de prosodie : les premières lignes de la chanson Over The Rainbow

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Riff2022-04-25T16:24:04+02:00

Fragment musical de quelques mesures, répété pour accompagner une ligne mélodique. Souvent associé à l’univers de la guitare électrique, le riff est cependant un élément que n’importe quel instrument peut jouer (hormis bien sûr les percussions à son fixe).

Les musicologues américains David Brackett et Richard Middleton définissent le riff comme une « courte phrase mélodique » ou « une courte figure musicale rythmique, mélodique, ou harmonique répétée pour constituer la base d’une composition musicale ». A ce titre, il est comparable à l’ostinato.

Si un riff peut être plus ou moins élaboré mélodiquement ou harmoniquement, il est presque toujours pour une musique l’élément reconnaissable que l’on fredonne.

Attention à ne pas confondre le hook et le riff : le hook est un phrasé mélodique catchy fait pour être mémorable, le riff est en revanche moins entêtant et intègre volontiers des éléments harmoniques (des powerchords ou des intervalles harmoniques notamment).

L’origine du mot « riff » est incertaine et pourrait provenir de la contraction des termes « rhythmic figure » ou de « refrain » (prononcé à l’anglaise).

Pour aller plus loin :

partition non mesurée de Louis Couperin

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Schème2022-04-14T19:49:40+02:00

Représentation simplifiée d’une idée, réduite à ses attributs essentiels.

Ce terme est issu des beaux-arts, il s’agit d’une représentation mentale ou idée qui se situe entre le concept et le percept (l’unité de la perception). Autrement dit, le schème est la plus petite cellule mélodico-rythmique que l’on peut rencontrer dans une pièce musicale. Souvent formé de quelques notes, il sert notamment à la construction des thèmes et des phrases musicales.

Pour aller plus loin :

Sérendipité2022-03-31T12:31:59+02:00

La sérendipité est l’art de découvrir par chance (ou sagacité) ce que l’on ne cherchait pas en étant certain de ne pas trouver ce que l’on cherchait. C’est le fameux « accident créatif ».

La sérendipité relie l’imagination, le raisonnement, la subjectivité et l’intuition. Le hasard y est essentiel, mais également les connaissances, tout comme la créativité.

Les temps vacants, les retards, les moments vides dans un projet sont tout à fait propices à faire surgir la sérendipité artistique.

Pour aller plus loin :

Temps lisse2022-03-31T13:01:33+02:00

Conception du temps caractérisée par une absence de pulsation.

Ce temps musical a la particularité de ne pas être marqué par un rythme battu facilement perceptible. L’usage du temps lisse crée une sensation d’écoulement continu, donnant ainsi de la souplesse aux événements sonores. Ce temps lisse, perçu comme suspendu, créer alors chez l’auditeur un sentiment d’éternité. Ci-contre, des exemple de styles musicaux basés sur le temps lisse.

Pour aller plus loin :

partition non mesurée de Louis Couperin
Univers artistique2022-03-31T12:58:13+02:00

L’univers artistique correspond à l’identité d’un artiste. C’est grâce à cet univers que l’on reconnaît un compositeur à la simple écoute d’une de ses œuvres (sans avoir besoin de regarder le nom sur la playlist).

Dit plus simplement, c’est le style propre à chaque artiste. C’est quelque chose d’unique. Sa pâte, sa signature.

Construire et développer votre univers artistique peut mettre des années. Cela demande de vous exercer régulièrement et de continuer à apprendre de nouvelles choses, tout comme cela demande de savoir vous questionner et de chercher à raffiner vos approches compositionnelles.

Variation2022-03-31T12:39:17+02:00

La variation consiste à créer plein de modifications d’une idée, en repartant du gabarit (l’idée musicale de base) à chaque nouvelle modification. C’est une manière d’explorer des solutions voisines, progressivement de plus en plus éloignées de l’idée de base.

Avantage : faire varier une idée permet d’expérimenter sur tous les aspects de l’idée de base, c’est LA méthode pour trouver des idées qui ne sont pas stéréotypées.

Comment : Lorsque vous trouvez une idée, demandez-vous comment vous pouvez exprimer la même chose, mais avec un autre matériau sonore. Que pouvez-vous modifier ? Ou au contraire comment vous pouvez exprimer autre chose avec la même idée, le même matériau ?

Vocabulaire musical2022-03-31T11:45:03+02:00

En musique, avoir du vocabulaire ne veut pas dire savoir par cœur un glossaire de mots techniques en italien (espressivo, lamento, vivace, …). Ce n’est pas non plus juste connaître plein de techniques musicales, mais c’est surtout savoir exprimer ces techniques dans son jeu. Les utiliser dans un contexte adapté.

Avoir du vocabulaire, c’est donc être capable non seulement d’entendre un son et de le restituer, mais aussi de savoir comment il fonctionne dans le contexte d’une chanson, d’un riff ou d’un solo.

Ainsi, comme pour n’importe quel langage, c’est en expérimentant et en utilisant un certain vocabulaire qu’on le retient et l’utilise ensuite au quotidien. C’est cela enrichir son vocabulaire.

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