Les glossaires de la musique
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Bonne lecture !
Les glossaires
Terme italien signifiant une augmentation progressive du tempo.
Il s’agit de jouer de plus en plus vite, non de plus en plus fort. Opposé au ritardando, l’accelerando se note sur la portée avec l’abréviation accel. généralement suivie d’une ligne pointillée pour marquer la section accélérée. Un nouveau tempo sera ensuite défini ou le terme tempo primo sera utilisé pour signifier un retour au tempo initial.
L’accelerando s’utilise surtout pour procurer une sensation d’empressement, ou pour transitionner vers un nouveau tempo.
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Procédé d’accompagnement arpégé en forme de M.
Ce procédé consiste en un motif répété de 4 notes, chacune de même durée. La basse d’Alberti fut particulièrement utilisée pendant la période classique, on peut même la considérer comme un sceau de la musique de cette période. Elle doit son nom à Domenico Alberti (1710–1740), qui fut le premier à l’utiliser.
Ci-contre : exemple et variations sur un accord de do majeur. Un des exemples les plus connu se trouve dans les 4 premières mesures de la sonate n°16 de Mozart (K.545).
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Un brainstorming (ou remue-méninges) est une technique créative de résolution de problème. Il peut être individuel ou et collectif.
L’idée générale de la méthode est la récolte d’idées nombreuses et originales. Elle vise notamment à séparer étape de génération d’idées musicales et étape de sélection des meilleures idées. Ceci afin d’éviter le syndrome de la page blanche provoquée par une auto-critique advenant trop tôt dans le processus créatif.
Ainsi, pour favoriser la créativité, deux principes de base doivent être respectés pendant un brainstorming : la suspension du jugement et la recherche la plus étendue possible.
Le caractère, du point de vue de l’interprète, c’est la façon d’exécuter une pièce musicale. Notée sur la partition par un terme (souvent italien), sa fonction est d’aider l’interprète à trouver sa propre expression musicale. (Ex : agitato, cantabile, religioso, tranquillo).
Du point de vue du compositeur, plutôt que l’expression au moment de l’interprétation, nous parlons plutôt de l’expression au moment de l’écriture, du caractère en tant qu’émotion véhiculée à l’auditeur par l’oeuvre elle-même. Ainsi, le caractère d’une musique s’exprime généralement par un adjectif qualificatif.
Littéralement “centième”. comme pour l’unité monétaire.
Ils ‘agit d’une unité de mesure (symbole : ¢ ou c) utilisée pour décrire la taille des intervalles musicaux.
Par convention, il est égal à exactement 1/100e (ou 1%) d’un demi-ton du tempérament égal. Autrement dit, les cents divisent le demi-ton en 100 parties égales. Cette unité permet alors de quantifier tous les intervalles plus petits que le demi-ton. C’est l’unité que l’on retrouve sur nos accordeurs électroniques.
On appelle « démarche artistique » un court texte qui explique fondamentalement votre cheminement, vos intentions et vos objectifs de création et production.
Véritable petit manifeste, la démarche artistique permet de comprendre dans quel processus de création vous êtes engagé en tant qu’artiste et vers où vous tendez. Elle vous aide à mieux comprendre fondamentalement votre raison d’être en tant qu’artiste. C’est un document qui permet l’introspection.
Ce texte doit donc permettre d’apporter un éclairage neuf sur votre carrière. Il vous permet de mieux cerner votre potentiel et de le mettre en œuvre à travers des projets de faire et des projets d’être (où je suis, ce que je fais et où je veux aller). Il s’agit donc d’une réflexion qui permet de prendre de la hauteur sur votre carrière.
Pour aller plus loin :
Le détournement est un processus artistique qui consiste à s’approprier un élément musical et à le modifier pour en faire quelque chose de nouveau, de différent. Une manière de réutiliser, de s’approprier un matériau préexistant avec usage différent et inattendu.
Pour un artiste, détourner un élément (idée musicale, instrument, effet, …) c’est l’exploiter pour une toute autre chose que celle pour laquelle il a été conçu. C’est changer sa direction, sa fonction. C’est le métamorphoser, le détourner. Ceci pour finalement le réutiliser dans sa propre production artistique, proposant ainsi une nouvelle réflexion sur cet élément.
Une échelle qui utilise des intervalles plus petits que le demi-ton standard du système tempéré égal.
Graphie élémentaire de la notation musicale moderne.
Composée de 3 parties, une note symbolise sur une partition la hauteur et la durée d’un son musical. Née au XIIe siècle en occident sous forme carrée, cette graphie n’a été progressivement généralisée qu’au XVIe siècle, grâce aux progrès de l’imprimerie musicale.
Pour aller plus loin :
Instrument à cordes sans frettes, permettant au musicien de produire des intervalles microtonaux en ajustant librement la position du doigt sur la corde.
Les violons, altos, violoncelles et contrebasses sont fretless par conception. Et occasionnellement, les basses et guitares peuvent l’être aussi.
Pour faire simple, une gamme est une série de notes ordonnées par hauteur.
Par exemple :
- Gamme de do majeure : do ré mi fa sol la si
- Gamme de mi mineure : mi fa# sol la si do ré
Gamme de do majeure. Présentée ascendante puis descendante.
Pour faire moins simple, une gamme est un mode dont on a défini la tonique.
Précisons. En soit parler de “la gamme majeure” ne veut rien dire : pour qu’une série d’intervalles puisse être appelée “gamme” il faut préciser le nom de la note principale (appelée tonique). Sans cette précision, il est plus juste de parle de “mode majeur”… et donc de “gamme de do majeure” si le mode majeur en question commence par un do.
Les gammes sont générées à partir d’un petit nombre de notes, en général 7 ou 5. Par exemple, la série do ré mi fa sol la si est une gamme heptatonique (hepta=7). Tandis que la série do ré mi sol la est une gamme pentatonique (penta=5)
Pour aller plus loin :
Une idée musicale est une appellation générique qui peut désigner un riff, un pattern rythmique, un beat, un groove, une harmonie, un motif, un arrangement, une orchestration, une mélodie, un chant, un effet de jeu, un bruitage, un timbre, du sound design, du resampling, etc. etc.
C’est tout simplement un élément sonore qui ne s’autosuffit pas et qui a pour vocation à être assemblé avec d’autres idées complémentaires. Une idée musicale stimule généralement le processus de création et sera le point de départ d’une composition.
Pour aller plus loin :
- Série de vidéo : Pensées en vrac d’un musicien
- Série de vidéo : 30 jours pour déchaîner votre inspiration musicale
L’intention artistique, à ne pas confondre avec le parti-pris, est ce que veut exprimer de manière un artiste. C’est son “objectif”.
En musique commandée, c’est simple : l’intention de votre musique est définie par sa fonction (faire rester les clients plus longtemps dans un magasin, enrichir l’émotion d’une scène cinématographique, galvaniser les sportifs en cours de fitness, etc.)
Pour la musique de création (non-commandée), c’est plus complexe. Vous êtes seul décisionnaire de l’intention que vous mettez dans votre musique et c’est à vous de définir l’intention (explorer de nouvelles sonorités, faire danser, amuser, raconter une histoire, exprimer une émotion qui vous touche particulièrement, etc.)
On peut alors remarquer deux niveaux d’intention :
- l’intention que vous mettez dans une oeuvre en particulier
- et l’intention profonde qui vous pousse à composer. Cette intention profonde s’exprime dans ce qu’on appelle la démarche artistique.
Dans le langage courant, l’intonation est la façon d’émettre un son musical. C’est le ton que l’on prend en parlant (Intonation chantante, chaleureuse. Une voix aux intonations théâtrales).
En musique, l’intonation définit précisément la hauteur des notes (jouées ou chantées) les unes par rapport aux autres. On parle de justesse d’intonation. Plus particulièrement dans l’usage pratique quotidien, on parle d’intonation, tandis que dans l’usage théorique on parlera plus volontiers de tempérament ou de gamme.
Un système d’accord basé sur les rapports de fréquences des harmoniques naturels. Il offre des intervalles musicaux purs mais peut conduire à des difficultés dans certains contextes de modulation en raison de ses intervalles inégaux.
Technique de composition qui consiste à superposer plusieurs couches sonores (layers) pour enrichir une musique.
Cette technique peut être utilisée dans différents genres musicaux et peut être réalisée à l’aide d’un enregistreur ou d’un logiciel de production musicale (DAW).
Pour un musicien débutant, le layering peut être une façon de créer de la musique intéressante et variée sans avoir à maîtriser un grand nombre de techniques de composition ou d’instruments. Par exemple, un musicien débutant peut enregistrer une mélodie simple sur un instrument et la superposer à une seconde couche de sons, comme un beat de batterie ou un synthétiseur, pour créer une musique un peu plus riche.
Le layering peut également être utilisé pour ajouter de la profondeur et de la dimension à la musique en superposant différentes couches de sons à des niveaux différents. Par exemple, un musicien peut enregistrer une guitare acoustique et la superposer à une guitare électrique pour créer une texture de son plus riche.
Pratique musicale impliquant l’utilisation d’intervalles plus petits que le demi-ton du tempérament égal.
Instrument théorique à une corde utilisé historiquement pour étudier les relations mathématiques entre les intervalles et les fréquences (ratios).
Le protocole MPE (MIDI Polyphonic Expression) apporte plusieurs avantages importants par rapport au MIDI standard :
- Contrôle polyphonique de paramètres expressifs : Avec le MIDI standard, les messages de pitchbend, d’aftertouch, de modulation, etc. s’appliquent de manière monophonique à tous les notes jouées. Avec MPE, chaque note peut être contrôlée indépendamment pour ces paramètres, permettant une expressivité polyphonique beaucoup plus riche
- Dimensions expressives supplémentaires : En plus du pitchbend et de l’aftertouch, MPE définit de nouvelles dimensions de contrôle comme la pression sur chaque dimension X/Y du surface de jeu (pour les contrôleurs multi-dimensionnels comme le Roli Seaboard ou le LinnStrument). Cela ouvre de nouvelles possibilités expressives.
- Résolution accrue des données : MPE utilise une résolution accrue de 32 bits pour transmettre les données de pitchbend, d’aftertouch, etc. au lieu de 7 bits en MIDI standard, permettant un contrôle beaucoup plus précis et continu de l’expression.
- Canaux polyphoniques : Les notes MPE sont transmises sur plusieurs canaux MIDI.
- Compatibilité ascendante : MPE est une extension du protocole MIDI standard, donc les équipements et logiciels non-MPE peuvent toujours recevoir les données de notes et de contrôleurs de base.
Ce protocole offre aussi un bel avantage pour la musique microtonale : chaque note peut être accordée indépendamment pendant le jeu ! Ceci permet des changements d’accordage fluides et dynamiques au sein d’un même morceau.
Les musiques populaires, musiques urbaines, musiques jeunes… Toutes se retrouvent sous le terme générique de musiques actuelles.
En France, les musiques actuelles (suivant les définitions du Ministère de la Culture en France) peuvent intégrer du jazz, de la chanson, des musiques traditionnelles, du rock, de la pop, les musiques électroniques ou le hip hop. On utilise le terme Musiques Actuelles par opposition à la musique de chambre ou à la musique classique.
Pour aller plus loin :
Musique écrite sans signature rythmique ni barres de mesure.
Ceci a pour effet de gommer les sensations de temps forts et temps faibles, laissant ainsi une très grande liberté expressive à l’interprète. La durée des notes ou le tempo peuvent également ne pas être indiqués et laissés à l’inspiration de l’interprète.
A distinguer du rubato, qui est un abandon temporaire de la rigueur de la mesure.
Pour aller plus loin :
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La narration n’a pas de définition rigoureuse en musique. Personnellement, je la définis comme l’art de transporter l’auditeur dans un voyage auditif choisi. Figuratif ou abstrait, avec ou sans paroles.
Le travail de la narration comprend l’habileté à faire de bons choix (de cellules musicales, de structure, de couleurs harmoniques, d’instrumentation, etc.). Mais cela comprend aussi l’habileté à faire s’enchaîner les cellules musicales pour donner une direction forte à la composition. En effet, une bonne narration mêle surprises et rappels bien placés.
En somme, c’est l’art de susciter de l’émotion sans trop en faire. C’est savoir créer l’alchimie. C’est aussi simple et ardu que ça !
Pratique courante dans le monde de la musique, qui consiste à improviser de la musique en jouant des notes de manière informelle et désorganisée.
Cela peut se faire sur un instrument de musique, en chantant ou en tapant sur des objets pour créer un rythme.
Le noodling est souvent utilisé par les musiciens débutants pour se familiariser avec leur instrument et pour développer leur oreille musicale. Cela peut être un moyen amusant de jouer de la musique sans avoir à suivre une partition précise ou un morceau de musique déjà écrit.
Le noodling peut également être utilisé par les musiciens plus expérimentés pour explorer de nouvelles idées musicales ou pour se détendre et se divertir. Cela peut être une façon de s’exprimer musicalement de manière libre et créative, sans être limité par les conventions de la musique écrite.
Intervalle séparant deux notes de même nom.
Le saviez-vous ? Une octave ne fait pas 12 demi-tons ! Ou du moins pas toujours 🙂
Une octave juste est l’intervalle le plus consonnant, après l’unisson. Elle est à la base de la construction des gammes. En acoustique, cela correspond à un doublement de la fréquence. Une note à l’octave est ainsi à 12 demi-tons d’intervalle d’une autre note de même nom. Mais comme d’autres intervalles, l’octave peut elle aussi être augmentée ou diminuée. L’exemple en image ci-contre le démontre.
Pour aller plus loin :
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Procédé d’écriture qui consiste à répéter en boucle un élément musical de nombreuses fois (tels qu’un rythme, une mélodie ou un enchaînement d’accords).
Le terme vient de l’italien et se traduit par obstiné. En effet, un ostinato se répète avec obstination tout au long de la composition (ou au moins une bonne partie).
Des ostinati célèbres se retrouvent dans la rythmique de We Will Rock You de Queen ou la basse de Seven Nation Army des White Stripes, mais le plus réputé est sans aucun doute celui du Canon en ré majeur de Johann Pachelbel.
De nos jours l’ostinato est très utilisé en musique électronique (de nature répétitive) ou dans le rap (sous forme de phrasé resamplé).
Pour aller plus loin :
Le parti-pris d’un artiste est l’angle qu’il choisi arbitrairement pour parler d’une certaine thématique dans son oeuvre.
Cela représente tous ses choix tant au niveau esthétique (choix de l’harmonie, les instruments, du mixage, …) que poétique (choix d’exprimer ou ne pas exprimer certains aspects de la thématique abordée).
Le principe de convergence, vient après celui de divergence : il fait référence à la phase de production où l’on sélectionne les idées musicales produites précédemment. Où l’on raffine l’oeuvre et modèle l’apparence.
La pensée convergente s’exprime dans la structuration des petites créations musicales produites et dans les choix que l’on fait. On recentre la pensée exploratoire (non censurée) sur l’intention que l’on voulait de base exprimer.
Convergence, parce qu’on trie le bon grain de l’ivraie au prisme de cette intention initiale.
Le principe de divergence dans le processus de création fait référence à la phase de recherche créatives de l’artiste. Cela se passe entre la pose du problème et les propositions musicales créées.
La divergence s’exprime dans l’exploration d’un maximum de pistes au cours desquels l’artiste multiplie les petites créations musicales, véritables briques sonores qui viendront s’assembler plus tard dans son oeuvre.
Divergence, parce qu’on explore vraiment dans toutes les directions. Dans cette phase du processus créatif, il est important de coucher toutes les idées que l’on a, même les moins pertinentes. Ne vous censurez pas.
Une méthode de production d’idées, développée par Edward de Bono (psychologue spécialiste en science cognitive), dont l’objectif est de sortir des sentiers battus en explorant des possibilités et approches différentes qui peuvent se substituer à la vision “normale” (archétypale) d’un sujet.
C’est une sorte de mode pensée exploratoire qui nous fait dévier de l’approche conventionnelle de laquelle on souhaite s’écarter.
Pour aller plus loin :
- Lateral Thinking (sur Wikipedia)
C’est un processus de génération d’idées qui favorise l’exploration, le développement et la production de idées musicales innovantes et de “valeur”.
Le processus créatif est généralement décrit comme une succession d’étapes et une alternance entre différentes modes de pensée (pensée intuitive et pensée analytique). Il existe plusieurs techniques de génération d’idées, mais toutes font partie du processus créatif général, dont voici les grandes étapes :
- Phase de clarification du projet artistique
- Définir l’intention (le fond)
- Délimiter la thématique (l’objet)
- Acquérir des connaissances (la préparation)
- Phase d’idéation
- Choisir le caractère (l’émotion)
- Explorer des pistes (la recherche créative)
- Créer l’expression (les moyens)
- Phase de production
- Raffiner l’expression (la sélection)
- Dessiner la structure (la narration)
- Modeler la forme (l’apparence)
Pour aller plus loin :
La prosodie est l’ensemble des caractéristiques d’une voix (parlée ou chantée). Une prosodie appropriée rend plus intelligibles les émotions et les intentions du texte. La prosodie s’articule autour de ces caractéristiques :
- La nuance
- le timbre
- le rythme
- l’intonation
- les accentuations
En chant, c’est aussi la manière dont sont mises en mesure et en rythme les syllabes du texte.
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Un intervalle équivalent à la moitié d’un demi-ton, ou 50 cents. Utilisé dans certaines formes de musique microtonale pour créer des échelles et des harmonies uniques.
On trouve le quart de ton dans le tempérament 24-TET, mais aussi dans divers styles musicaux à travers le monde. Notamment dans :
- plusieurs Maqâms de la musique arabe, comme le râst,
- la musique classique ottomane turque (Türk sanat müziği),
- la musique ouzbèke,
- la musique ouïghoure,
- certaines formes de musique kazakhe et kirghize,
- certaines musiques afghanes ou iraniennes,
- et également dans les musiques des Balkans, incluant la musique grecque, yougoslave, et bulgare.
Rapport de deux fréquences, utilisé pour décrire les intervalles, notamment quand on cherche à créer un accord dont les intervalles constituants présentent une intonation.
- 2/1 = octave
- 3/2 = quinte pure
- 5/4 = tierce majeure pure
- 7/5 = triton de Huygens
- 13/8 = sixte neutre tridécimale
Voici une liste complète des intervalles contenus dans une octave
Fragment musical de quelques mesures, répété pour accompagner une ligne mélodique. Souvent associé à l’univers de la guitare électrique, le riff est cependant un élément que n’importe quel instrument peut jouer (hormis bien sûr les percussions à son fixe).
Les musicologues américains David Brackett et Richard Middleton définissent le riff comme une « courte phrase mélodique » ou « une courte figure musicale rythmique, mélodique, ou harmonique répétée pour constituer la base d’une composition musicale ». A ce titre, il est comparable à l’ostinato.
Si un riff peut être plus ou moins élaboré mélodiquement ou harmoniquement, il est presque toujours pour une musique l’élément reconnaissable que l’on fredonne.
Attention à ne pas confondre le hook et le riff : le hook est un phrasé mélodique catchy fait pour être mémorable, le riff est en revanche moins entêtant et intègre volontiers des éléments harmoniques (des powerchords ou des intervalles harmoniques notamment).
L’origine du mot “riff” est incertaine et pourrait provenir de la contraction des termes “rhythmic figure” ou de “refrain” (prononcé à l’anglaise).
Pour aller plus loin :
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Logiciel populaire utilisé pour créer, analyser et expérimenter avec différents tunings et échelles microtonales.
Représentation simplifiée d’une idée, réduite à ses attributs essentiels.
Ce terme est issu des beaux-arts, il s’agit d’une représentation mentale ou idée qui se situe entre le concept et le percept (l’unité de la perception). Autrement dit, le schème est la plus petite cellule mélodico-rythmique que l’on peut rencontrer dans une pièce musicale. Souvent formé de quelques notes, il sert notamment à la construction des thèmes et des phrases musicales.
Pour aller plus loin :
La sérendipité est l’art de découvrir par chance (ou sagacité) ce que l’on ne cherchait pas en étant certain de ne pas trouver ce que l’on cherchait. C’est le fameux “accident créatif”.
La sérendipité relie l’imagination, le raisonnement, la subjectivité et l’intuition. Le hasard y est essentiel, mais également les connaissances, tout comme la créativité.
Les temps vacants, les retards, les moments vides dans un projet sont tout à fait propices à faire surgir la sérendipité artistique.
Pour aller plus loin :
Méthode d’apprentissage de la musique qui permet d’enseigner les systèmes de notations (représentation des notes), les intervalles et les accords de manière standardisée.
Elle est largement utilisée dans l’enseignement de la musique et est considérée comme un outil essentiel pour les musiciens débutants.
En solfège, chaque note est nommée par une lettre de l’alphabet (A, B, C, D, E, F, G) ou un nom (do, ré, mi, fa, sol, la, si), do étant équivalent à la lettre C.
Chaque nom de note indique une hauteur différente et peut se placer dans la portée sur une ligne ou un espace entre deux lignes. Les notes sont classées en fonction de leur hauteur, avec les notes les plus aigües placées vers le haut de la portée et les notes les plus graves placées vers le bas de la portée.
Le solfège permet notamment de représenter les intervalles, c’est-à-dire les distances de hauteur entre les notes.
Le solfège est également utilisé pour noter les accords, c’est-à-dire les combinaisons de notes qui sont jouées simultanément. Les accords peuvent être notés en utilisant des symboles spéciaux qui indiquent la hauteur et l’intervalle entre les différentes notes de l’accord.
En résumé, le solfège est un outil essentiel pour les musiciens débutants car il leur permet de lire et de jouer de la musique de manière précise et efficace. Il est également très utile pour comprendre les bases de la théorie musicale et pour communiquer avec d’autres musiciens.
Synthé conçu pour produire des échelles microtonales, permettant aux musiciens d’explorer des tunings au-delà du tempérament égal.
Système d’accord / accordage / manière d’accorder un instrument. Cela consiste en un ajustement fin de la hauteur des intervalles pour répondre à divers critères musicaux ou acoustiques, souvent en compromettant la pureté des intervalles pour obtenir une flexibilité harmonique.
Le système d’accord le plus commun, utilisé partout dans le monde. Celui que vous utilisez sur votre guitare ou piano habituel. Il consiste en une division de l’octave en douze intervalles égaux.
Il porte d’autres appellations, souvent utilisé pour distinguer le tempérament égal des autres tempéraments par division multiple.
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12-TET (12 Tones Equal Temperament,
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12edo (12 Equal Division of the Octave)
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12ET (12 Equal Temperament)
anglais Well temperaments ou anciennement tempéraments ordinaires, sont une catégorie d’accordages où les intervalles entre les notes ne sont pas uniformément divisés. Contrairement au tempérament égal, où chaque demi-ton a la même taille (100 cents), les tempéraments inégaux varient la taille des intervalles pour améliorer la consonance de certains accords ou faciliter la modulation entre certaines tonalités. Ces tempéraments étaient particulièrement populaires à l’époque baroque avant l’adoption généralisée du tempérament égal.
Quelques tempéraments inégaux populaires :
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Kirnberger III
-
Werckmeister III
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Young
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Kellner
Catégorie de tempéraments qui divisent l’octave en n intervalles rigoureusement égaux.
On parle de n-TET / n-edo / nET.
Techniquement tempérament par division multiple est synonyme de tempérament égal. Mais on a l’habitude de réserver le terme de tempérament égal au 12-TET seulement (notre tempérament habituel).
Parmi les tempéraments à division multiples les populaires, on retrouve :
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6-TET (gamme par ton)
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12-TET (tempérament égal)
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19-TET
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24-TET (gamme à quart de ton)
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31-TET
- 53-TET
Conception du temps caractérisée par une absence de pulsation.
Ce temps musical a la particularité de ne pas être marqué par un rythme battu facilement perceptible. L’usage du temps lisse crée une sensation d’écoulement continu, donnant ainsi de la souplesse aux événements sonores. Ce temps lisse, perçu comme suspendu, créer alors chez l’auditeur un sentiment d’éternité. Ci-contre, des exemple de styles musicaux basés sur le temps lisse.
Pour aller plus loin :
L’univers artistique correspond à l’identité d’un artiste. C’est grâce à cet univers que l’on reconnaît un compositeur à la simple écoute d’une de ses œuvres (sans avoir besoin de regarder le nom sur la playlist).
Dit plus simplement, c’est le style propre à chaque artiste. C’est quelque chose d’unique. Sa pâte, sa signature.
Construire et développer votre univers artistique peut mettre des années. Cela demande de vous exercer régulièrement et de continuer à apprendre de nouvelles choses, tout comme cela demande de savoir vous questionner et de chercher à raffiner vos approches compositionnelles.
La variation consiste à créer plein de modifications d’une idée, en repartant du gabarit (l’idée musicale de base) à chaque nouvelle modification. C’est une manière d’explorer des solutions voisines, progressivement de plus en plus éloignées de l’idée de base.
Avantage : faire varier une idée permet d’expérimenter sur tous les aspects de l’idée de base, c’est LA méthode pour trouver des idées qui ne sont pas stéréotypées.
Comment : Lorsque vous trouvez une idée, demandez-vous comment vous pouvez exprimer la même chose, mais avec un autre matériau sonore. Que pouvez-vous modifier ? Ou au contraire comment vous pouvez exprimer autre chose avec la même idée, le même matériau ?
En musique, avoir du vocabulaire ne veut pas dire savoir par cœur un glossaire de mots techniques en italien (espressivo, lamento, vivace, …). Ce n’est pas non plus juste connaître plein de techniques musicales, mais c’est surtout savoir exprimer ces techniques dans son jeu. Les utiliser dans un contexte adapté.
Avoir du vocabulaire, c’est donc être capable non seulement d’entendre un son et de le restituer, mais aussi de savoir comment il fonctionne dans le contexte d’une chanson, d’un riff ou d’un solo.
Ainsi, comme pour n’importe quel langage, c’est en expérimentant et en utilisant un certain vocabulaire qu’on le retient et l’utilise ensuite au quotidien. C’est cela enrichir son vocabulaire.
Terme général utilisé pour décrire la musique qui utilise des échelles, des modes ou des accords en dehors des pratiques harmoniques traditionnelles, souvent par l’intermédiaire de micro-intervalles.
